Consideremos as famosas pinturas “A Criação de Adão” de Michelangelo, “O Nascimento de Vênus” de Sandro Botticelli ou “A Última Ceia” de Leonardo da Vinci. Quando pensamos nas grandes narrativas visuais da arte ocidental sobre o início da humanidade – e todos os seus triunfos, beleza, tragédias e significado – elas provavelmente parecem muito brancas.
Isto porque, durante séculos, as tradições artísticas do Renascimento europeu foram a autoridade de tais temas. Foi do século 15 ao 16 que “a arte passou a ser vista como um ramo do conhecimento”, segundo a enciclopédia Britannica, “valioso por si só e capaz de fornecer ao homem imagens de Deus e de suas criações, bem como percepções sobre a posição do homem no universo”.
Mas a artista afro-cubana-americana Harmonia Rosales está entre aqueles que procuram mudar radicalmente esta centralização das ideologias ocidentais como padrão. Uma seleção de seu trabalho nesse sentido está em exibição na exposição “Harmonia Rosales: Master Narrative” no Museu de Belas Artes do Spelman College, em Atlanta. Uma versão da exposição foi exibida pela primeira vez no ano passado no Museu AD&A da Universidade da Califórnia, Santa Barbara.
Através de 20 pinturas a óleo e uma instalação escultural em grande escala, o trabalho de Rosales desafia os visitantes a considerar a universalidade da criação através de lentes diaspóricas negras. A exposição apresenta sete anos de trabalho, enquanto Rosales entrelaça as técnicas artísticas e hegemonias dos Antigos Mestres europeus, focados no cristianismo e na mitologia greco-romana, com os personagens, temas e histórias da religião iorubá.
A tradição de fé iorubá envolve um criador supremo chamado Olodumare e uma hierarquia de várias centenas de divindades – orixás – que governam coletivamente o mundo e a humanidade. Originários da África ocidental, há pelo menos alguns milhares de anos, os escravos eram proibidos de praticar a fé, pois muitos senhores de escravos brancos a consideravam um mal e uma ameaça à obediência que desejavam.
A arte renascentista excluiu em grande parte os negros, mesmo quando surgiu durante as fases iniciais do comércio transatlântico de escravos, que acabou por trazer 10,7 milhões de homens, mulheres e crianças africanas para as Américas, cerca de 1,67 milhões dos quais eram iorubás praticantes.
Então, porquê centrar os negros numa forma de arte que os ostracizou, em vez de criar um espaço inteiramente novo para transmitir esta “narrativa mestra”? Para Rosales, a melhor forma de diversificar o meio é operar dentro de seus parâmetros.
“Porque é o que foi mainstreamizado. Estou tentando educar as massas sobre uma religião que foi ocultada há algum tempo”, disse Rosales. “Quero torná-la muito linear, compreensível e digerível, para que possamos nos aprofundar”.
“Estou seguindo o caminho expresso de ensinar às pessoas quem elas são”, acrescentou ela. “A única maneira de fazer isso é reimaginar certas imagens famosas”.
“O que ela está fazendo é diferente de muitas pessoas que trabalham com a figuração negra atualmente”, disse Liz Andrews, diretora executiva do Museu de Arte do Spelman College, sobre o trabalho de Rosales. “Isso é recuperar uma história que foi ativamente ferida”.
Encontrando seu talento artístico
Com sua ascendência mista, que também inclui raízes jamaicanas, Rosales disse que “nunca senti que era suficiente para alguma coisa” enquanto crescia.
Ela não se enquadrava em uma caixa racial ou étnica e lutava para querer mudar certas características físicas que a sociedade historicamente não considerava atraentes – como cabelos naturalmente cacheados e crespos, que, durante anos, ela alisou com relaxantes químicos que ela ganhava de sua avó, ou cotovelos e joelhos mais escuros que o resto do corpo.
Crescendo em Chicago, Rosales tentou a sorte na escola de artes, mas não gostou das restrições que sentiu que isso colocava em seus instintos criativos. Assim, ela encontrou inspiração em livros de arte, pesquisas e museus, onde podia observar de perto pinturas para estudar técnicas – em particular as de artistas da Renascença.
“Houve tempo (e) amor investido na arte renascentista, e isso transparece na obra”, disse Rosales, descrevendo-a como “a estrutura da beleza americana, a percepção da beleza, tudo”.
Como artista autodidata, Rosales tornou-se conhecida pela primeira vez depois de compartilhar sua pintura “A Criação de Deus” nas redes sociais em 2017.
Desde então, Rosales viu seu trabalho exposto no Museu Andy Warhol em Pittsburgh, no Museu de Arte Contemporânea da Diáspora Africana no Brooklyn e no Museu de Arte Memphis Brooks, entre outros locais.
Repensando o condicionamento
Quando Rosales teve sua primeira filha, ela se lembra de ter ficado entusiasmada por ter um “pequeno eu”, assim como ficou maravilhada com os museus de arte – e particularmente com a arte renascentista. Mas quando Rosales levou pela primeira vez a filha, então com 4 ou 5 anos, a uma galeria que exibia obras do período, a situação caiu por terra.
“Eu estava tipo, ‘Por que você não gosta disso?’”, disse Rosales, referindo-se a uma pintura específica. “Ela disse: ‘Ela não se parece comigo’”.
“Eu revi (a arte) com olhos inocentes, sem todas as diferentes manipulações que a sociedade impõe a você sobre como você deveria ser”, acrescentou ela. “Não quero que minha filha sofra uma lavagem cerebral como eu sofri… quero que ela ame seu cabelo, sua pele, seus lábios, seu nariz, tudo”.
Além de criar grandes narrativas nas quais seus filhos podem se ver, o desejo de capacitar e representar a beleza e a força das mulheres negras também se reflete em toda a obra de Rosales.
“Eu queria retratar visualmente as mulheres negras, especificamente – porque sou uma mulher – como algo de puro poder”, disse Rosales.
Muitas das pessoas nas obras de Rosales têm pele escura, muitas vezes com tons preto-azulados e às vezes elementos prateados que transmitem sua natureza majestosa e mitológica.
Vistas pessoalmente, as figuras em suas pinturas parecem tão reais que é quase como se você pudesse alcançá-las e tocá-las. Este efeito foi intencional, abrangendo uma técnica utilizada pelos Velhos Mestres europeus para pintar a pele branca de uma forma que a fizesse brilhar e se destacar da tela, envolve camadas finas de tinta para que a iluminação destaque diferentes características e crie profundidade, disse Rosales.
O que é divergente na abordagem de Rosales é a mistura de cores envolvidas – uma variedade de marrons, pretos, vermelhos, verdes e azuis – para capturar a diversidade de tons de pele mais melanizados.
A diversidade física da diáspora africana também está representada. Existem mulheres curvilíneas e esbeltas; pessoas de pele mais clara e cabelos loiros, albinismo ou sardas; e personagens de pele morena com mechas vermelhas e vitiligo, uma condição que faz com que manchas de pele percam pigmento ou cor quando as células produtoras de melanina são destruídas.
“Colocando nossa perspectiva na grande narrativa”
“Como fomos mortos ou punidos, para adorar os deuses iorubás tivemos que escondê-los nessas máscaras brancas por tanto tempo que, geração após geração, esquecemos quem realmente estava por trás daquela máscara”, disse Rosales sobre a prática dos seguidores iorubás de fundir seus deuses com figuras católicas importantes com significados semelhantes, para que pudessem adorar secretamente.
A exposição examina essa dinâmica em retratos como “Lady of Regla” de Rosales (“Senhora de Regla”, na tradução livre). Uma placa para esta peça na exposição de Spelman explica: “A Virgem Católica de Regla, a única figura de Maria Negra em Cuba, é frequentemente confundida com o orixá Iemanjá, mãe de todos e deusa do oceano nas Américas”.
A peça é uma representação exuberante de Iemanjá em luxuosa roupagem azul (a mesma vestimenta frequentemente usada pela Virgem Maria), segurando sua filha, a criança Eva, no lugar de Cristo, e cercada por exuberantes flores desabrochando.
“Com o tempo, os orixás e os santos fundiram-se através de um processo conhecido como sincretismo religioso. Em suas pinturas, Rosales alude a esse sincretismo ao retratar as auras (consciência espiritual e destinos) dos orixás como auréolas douradas, uma lembrança dos santos aos quais foram assimilados”, escreveu Helen Morales, professora da UCSB que liderou a curadoria de “Master Narrative” na sua primeira iteração, em catálogo de exposição com o mesmo nome.
“Há um tipo diferente de sincretismo em ação em muitas das pinturas de Rosales”, continuou Morales. “O sincretismo aqui também é generativo, desafiando nossos padrões de beleza e nos encorajando a traçar semelhanças e também diferenças entre as mitologias grega, romana e iorubá. Faz parte da generosidade de espírito e da visão amorosa de Rosales que ela esteja tão interessada no que nos une quanto no que nos divide”.
Querendo carregar emocionalmente seus filhos deslocados para diferentes terras durante o comércio de escravos, a lenda iorubá diz que Iemanjá e o oceano se tornaram um só e é creditada por salvar o povo iorubá que sobreviveu à sua jornada em navios negreiros.
Iemanjá também se reflete em outras obras da “Master Narrative”, como a pintura “Ascensão às Águas”. Em outra, “Imanjá encontra Erinle”, a capacidade de desejo de Iemanjá é retratada quando ela se apaixona pelo pescador divino.
A peça titular da exposição é a reinterpretação escultural de Rosales da famosa pintura de Michelangelo no teto da Capela Sistina. As cenas dramáticas da obra de arte de histórias bíblicas essenciais da criação há muito permanecem como uma história visual do desenvolvimento espiritual da humanidade. Para Rosales, a exposição não estaria completa sem a sua recriação.
“Eu não sabia como iria exibi-la”, disse Rosales sobre o processo criativo que acabou se tornando sua primeira incursão na escultura. “Foi tipo, ‘OK, recrie o teto de uma capela’, mas isso vai contra tudo o que estou dizendo. O teto da capela foi o que nos aprisionou no início – o aspecto de forçar uma religião para todos seguirem”.
Em vez disso, esticado sobre o casco côncavo de um navio negreiro virado, “Master Narrative” é um ato ousado de recuperação, recorrendo à rica obra de Rosales para capturar a criação dos orixás e da Terra, seu povo e as histórias de suas vidas.
Um tema semelhante é encontrado em “Still We Rise”, uma grande composição que leva o nome do poema de Maya Angelou e foi modelada a partir do afresco de Michelangelo “O Juízo Final”, que cobre a parede do altar da Capela Sistina. A pele esfolada de São Bartolomeu, na pintura de Michelangelo, é trocada por uma bandeira confederada em chamas que sugere que os escravizados nas Américas “emergirão triunfantes”.
A sua exposição também ocorre em um momento cultural mais amplo, em que os negros reivindicam o seu lugar na história e se apropriam da sua herança, e de resistência contra a recontagem desta história. Rosales disse que não pretende que seu trabalho seja utilizado como uma ferramenta a favor ou contra qualquer um desses movimentos, mas ficará feliz se isso contribuir para esse empoderamento.
“Por que nos ver como políticos piedosos?”, Rosales argumentou. “Por que adicionar nossas narrativas – ou mesmo tentar alterar a história, essa base que foi construída e não nos incluiu – é político?”.
“Eu apenas vejo isso como se estivesse contando algo que faz parte da minha cultura e que eu gostaria de ver mais”, acrescentou ela. “Estes são meus filhos, e quando eu os deixo sair para o mundo, eles decidem quem querem se tornar”.
Embora Rosales inicialmente tenha pintado as figuras para sua filha, no final “eu me encontrei”, disse ela, “me tornei fortalecida sobre quem eu sou. Cada uma dessas (obras de arte) conta minhas histórias”.
“Harmonia Rosales: Master Narrative” estará em exibição no Spelman College Museum of Art, em Atlanta, até 2 de dezembro.
